camilayelarte

Marcel Broodthaers, Caquelon de Moules, 1968. Daled Collection © VG Bild-Kunst. Joan Brossa, Eclipse, 1988. Foto: via Fundació Joan Brossa

Empezando por las tres letras que componen su apellido b r o, cuya coincidencia les hubiese servido para algún juego de palabras en el caso de que los caminos de Joan Brossa y Marcel Broodthaers se hubieran cruzado, los puntos en común que comparten la obra del artista catalán y la del belga son innumerables. Ambos nacen poetas, aunque la adscripción a una única disciplina artística se les quedará corta a los dos, al catalán por encarnar la palabra multidisciplinar antes de que esta formara parte del vocabulario definitorio de la práctica artística, y al belga por decidir en un punto de su carrera dejar de preguntarse ¿qué cosa es la poesía? en favor de la más creativa y libre pregunta ¿qué poesía hay en la cosa?

Brossa y Broodthaers, por este mismo orden traspasaron la frontera de la poesía, aquélla que señaló el por ambos admirado Stéphane Mallarmé al decir que las palabras eran imagen y que ellos acabarían completando con la afirmación de que la poesía también podía ser objeto. En Broodthaers el encuentro con Mallarmé vino de la mano de su amigo y mentor René Magritte, quien al igual que Brossa ya llevaba años jugando con las paradojas de la palabra y los límites de representación del lenguaje y la pintura. Se puede hacer poesía con todo, decía Brossa, se puede hacer arte con todo, acabaría concluyendo Broodthaers.

A los dos hay que agradecerles su voluntad democrática. La reflexión irónica y satírica que llevaron a cabo en torno al mundo y la propia práctica del arte, la realizaron utilizando un lenguaje que pudiésemos entender todos, desde los símbolos de la cultura popular, ya sea el plato nacional de su país de origen, los moules en Bélgica, o la hostia consagrada y el huevo frito de la católica España. Brossa y Broodthaers hicieron lo mejor que puede llegar a hacer un artista: enseñar a extrañarse de aquello que a menudo es percibido como ordinario, enseñar a mirar el mundo como si lo viéramos por primera vez, con ojos nuevos, ampliando sus posibilidades de interpretación y representación.

"No olvidemos que original viene de origen"

Eduardo Chillida

El martes pasado Christie's celebró una subasta cuyos resultados ocuparon las portadas del día siguiente, desde hace una semana sabemos que Three Studies of Lucian Freud de Francis Bacon es la obra de arte más cara del mundo, 105 millones de Euros, hasta que otra subasta le arrebate el puesto tal y como viene siendo habitual en los últimos años.

Subasta celebrada el pasado martes en Christie's. Foto: via Hoyesarte

Las reacciones de la gente cuando el mercado del arte muestra las cartas de lo que significa ese 1% que amasa fortunas y puede permitirse entrar en el juego, suelen ser de indignación,¿cómo puede una pintura alcanzar un precio tan alto? ¿Cómo puede pagarse tal cantidad cuando no hay dinero para sanidad ni escuela pública? A los del 1% les importa un carajo, para existir a sus anchas necesitan de la crisis. Ahora bien, si cambiamos de sector y echamos un ojo a las cifras que se barajan en el mundo del deporte, los fichajes de los clubs de liga españoles no se quedan cortos sino que van a la par con las astronómicas cifras que barajan Christie's y Sotheby's.

La indignación que provoca Bacon no la provoca en la misma medida Gareth Bale, Cristiano Ronaldo o Neymar a pesar de que sus fichajes sean más altos y estén hechos con créditos bancarios o intermediarios tan oscuros como los fondos de inversión, que tanto en el mundo del arte como del deporte simbolizan lo que de inmoral tiene el Capitalismo. Si comparamos los precios alcanzados por cinco obras subastadas el pasado martes en Christie's con los fichajes de los últimos años del Barça y el Madrid veremos que comparten inmoralidades, la diferencia está en que el juego de Neymar es un espectáculo que mueve masas y del que podremos disfrutar todos, de la elitista obra de Bacon tendremos que esperar a que su nuevo propietario la ceda algún día para alguna exposición en un museo.

Esta semana se ha presentado en París la próxima edición de ARCO 2014. Entre las principales novedades destacamos el alto nivel de participación, nada más y nada menos que 217 galerías, esperemos que cantidad vaya acompañado de calidad. Entre las alegrías el que Guillermo Mora sea ganador del premio Audemars Piguet (El Cultural)

Curioso que ciertas noticias aparezcan publicadas antes en la prensa extranjera que en la nacional, es el caso del zoológico proyecto "Historias naturales" de Miguel Ángel Blanco para el Museo del Prado del que The Art Newspaper se hacía eco al iniciar la semana (The Art Newspaper).

dOCUMENTA 14 ya tiene comisario, el comité de selección formado por: Suzanne Cotter (Directora del Museo Serralves), Chris Dercon (Director de Tate Modern), Susanne Gaensheimer (Directora Museum fur Moderne Kuns Frankfurt) Kim Hong-hee (Director Seul Museum of Art) Koyo Kouoh (Director Raw Material Company) Matthias Mühling (Director Galerie Im Lenbachhaus), Joanna Mytkowska (Directora Museum for Modern Art Warsaw) y Osvaldo Sánchez, (Director inSite Mexico City) han elegido por unanimidad a Adam Szymczyk comisario de origen polaco, director de la Kunsthalle de Basel, como comisario de la próxima documenta que se celebrará en 2017 (Art Daily). Si queréis saber algo más de él os recomiendo leer este artículo del NY Times publicado hace un par de años (New York Times).

Tal vez los excelentes resultados de la subasta celebrada en Christie's la semana pasada hayan sido la gota que ha colmado el vaso, sea como sea, el "vendedor del siglo", Tobias Meyer, jefe de arte contemporáneo de Sotheby's ha presentado su dimisión después de 20 años en la famosa casa de subastas. (Art F City)

La bienal de los mochileros, así ha definido Paola Baratta, director de la Bienal de Venecia, la edición comisariada por Massimiliano Gioni que ha cerrado puertas este fin de semana. Record total de visitas, 475 mil de las cuales cien mil han sido de visitantes menores de 25 años. Esta sí es una muy buena noticia. (Artribune)

Probablemente Londres sea la ciudad con más espacios expositivos de Europa. A la extensa red de museos, en su mayoría gratuitos, hay que añadirle las galerías y espacios alternativos que hacen de ella una de las principales capitales culturales europeas. La calidad de sus museos es incuestionable, resultado de una envidiable tradición democrática que entiende que la cultura es patrimonio de todos.

Aprovechando la celebración de Frieze el pasado mes de octubre, visitamos las principales galerías comerciales de la ciudad. Cabe decir con sorpresa que no es la ciudad europea que más ha llamado nuestra atención en cuanto a la calidad de sus galerías, sin duda los espacios son increíbles, pero Berlín y París tienen programas expositivos mucho más interesantes.

A pesar de lo grande que es Londres, las galerías se concentran en un área relativamente pequeña que puede visitarse a pie si así desea. A diferencia de otras ciudades, es habitual que las majors tengan más de un espacio expositivo, recordemos que últimamente parece una exigencia disponer de espacios amplios para exponer esos trabajos tan enormes y a menudo absurdos (los que se exponen en la sección Art Unlimited de Art Basel) que dan cuenta del tipo de coleccionista hacia el que va encarado el mercado del arte. No hemos incluido en esta ruta el espacio de Larry Gagosian cercano a King’s Cross, por ejemplo, o el antiguo espacio expositivo de Victoria Miro.

Vista de Londres desde la Tate. Foto: Camilayelarte

Los barrios que por los que se encuentra la selección de galerías reseñadas son Mayfair, Soho, las cercanías de Picaddilly y Marylebone. Se puede hacer la ruta a pie a excepción de Marylebone que está algo más alejado. No hemos incluido tampoco los espacios expositivos de Christie’s y Sotheby’s que se encuentran en Mayfair, al no tratarse de galerías sino de casa de subastas, pero os recomendamos que visitéis las exposiciones que se allí se celebran los días previos a las subasta. Hemos dejado fuera Hauser&Wirth porque no nos ha permitido fotografiar la Onnasch Collection en muestra en sus tres espacios expositivos. En cuanto a los museos cercanos a esta zona a destacar la Royal Academy of Arts. Sin más, aquí tenéis otra nueva entrega de galerías por Londres.

Leon Golub, Napalm Gates, Anthony Reynolds Gallery, 2013. Foto: Camilayelarte

Leon Golub, Mercenaries II, Anthony Reynolds Gallery, 2013. Foto: Camilayelarte

Mercenaries II and Napalm Gates, Leon Golub
Anthony Reynolds Gallery

Pintor del hombre en conflicto, la violencia física y existencial es una constante en su obra. Anthony Reynolds pone en muestra por primera vez las series Mercenaries II y Napalm Gates, realizadas por Golub entre 1975-76 resultado del compromiso político del artista contra la Guerra del Vietnam.

Hacia 1964 de regreso a EE.UU. tras vivir unos años en Europa, Leon Golub se implica directamente en las protestas contra dicho conflicto. En un momento en el que el mundo del arte estaba volcado en el arte conceptual y minimalista, alejado de cualquier relación con la realidad inmediata, política y social, la obra de Leon Golub se presenta como una propuesta valiente, coherente y muy personal, donde la pintura figurativa es el medio de expresión del conflicto histórico que se estaba viviendo en ese momento, una pintura del aquí y del ahora. Una de sus obras más conocidas, que cuelga en las paredes de la Tate, es precisamente Vietnam II, también de este periodo. Las pinturas que presenta Anthony Reynolds son algo posteriores a esta primera etapa en la que Golub decide abordar de forma directa la iconografía de la guerra en sus detalles más ordinarios. Los uniformes, las armas se convierten en imágenes violentas por la forma tan directa y real con la que están representadas, estar ante una pintura de Golub es tomar conciencia de hasta qué punto nuestra percepción del conflicto está mediada por la abstracción, tanto en el arte o en los medios de comunicación. De hecho el conflicto que describen las pinturas no está desligado del conflicto que en su momento vivió el artista en relación a su propia obra. Como reacción algunas obras de este periodo aparecen cortadas, lo vemos aquí en la serie Mercenarios, las telas, austeras, desnudas de cualquier marco y colgadas directamente en la pared están incompletas, son cortes dramáticos, la tela aparece como una piel fragmentada. Este gusto por el corte llega a su máximo expresión en las Napalm Gates, tal vez la más abstracta de las obras de Golub, una reinterpretación simbólica de las puertas de los Leones de Knossos, en clave contemporánea, la destrucción de las puertas de una ciudad desfigurada por el efecto del Napalm.

Anthony Reynolds Gallery
60, Great Marlborough Street - Londres
Del 19/09/2013 al 26/10/2013

Felix Gonzlaez-Torres & Damien Hirst, Candy, Blain Southern, 2013. Foto: Camilayelarte

Candy, Felix Gonzalez-Torres & Damien Hirst
Blain Southern

Esta exposición me produce una opinión ambivalente, a primera vista la encuentro una exposición oportunista. Nada más lejos de la inmaterialidad poética de Felix González-Torres que las vanitas procesadas por la cultura neoliberalista de Damien Hirst. Las montañas de caramelos de la escultura Untitled (1992) y las pinturas a base de colores de Visual Candy sólo tienen en común el caramelo, material del que está hecha una y palabra que da nombre al título la otra. Eso, y también el color. Empezando por la horrible tipografía del título de la exposición, “Candy”, que da la bienvenida a la entrada de la galería, el diálogo entre Torres y Hirst resulta cuanto menos inquietante, tras un paseo rápido ante los pastiches colorados de Hirst le entran ganas a una de empezar a llevarse los caramelos de Torres para que el diálogo acabe cuanto antes mejor. Es cierto que las pinturas falsamente felices y banales de Hirst esconden una aura de perturbación, incomodan, personalmente mucho, tal vez sea por el memento mori que contienen, Hirst es un poco como el Carnaval, por un lado se celebra el desfase, el salirse de los límites, unos límites que al fin y al cabo no son otros que los de la propia muerte, y es aquí, en este punto donde sí subyace un elemento en común con la obra de Félix González-Torres, quien también nos recuerda que nada permanece, que el cuerpo se desvanece lentamente. Podría ser que mi incomodidad ante la exposición no se deba a lo opuesta que me parece la obra de uno y otro artista, o a que la tonalidad cromática me deje aturdida, sino al hecho de que señalan bajo un falso disfraz de hedonismo y banalidad que estamos aquí de paso y nada más.

Blain Southern
4, Hanover Square - Londres
Del 16/10/2013 al 30/11/2013

Yayoi Kusama, White Infinity Nets, Victoria Miro, 2013. Foto: Camilayelarte

White Infinity Nets, Yayoi Kusama
Victoria Miro

Victoria Miro inaugura nuevo espacio con una exposición clásica, a pesar de que las obras se cuenten entre la reciente producción de su artista. Desde que en 1959 inaugurara su primera exposición individual en la Bratta Gallery de Nueva York, Kusama ha vuelto de forma intermitente a producir la serie Infinity Nets que la hizo famosa en la escena artística estadounidense de los sesenta. Artista obsesiva como ella misma se autodefine, en Victoria Miro cuelgan nueve pinturas en blanco, el mismo color sus primeras Nets. La pintura de Kusama es aparentemente monocromática pero al acercarse, la tela desvela poco a poco el complejo sistema que le da forma. Los nudos se unen formando una red, un over-all que da lugar a una especie de paisaje entrópico fruto de la angustia de la artista ante la idea de lo infinito. El uso del blanco, la referencia a la luz y el juego entre oscilante entre dos planos, el físico de la superficie de la tela, y el espacio infinito e inmaterial al que hace referencia la intricada red de pinceladas, nos recuerda que la obra de Kusama no se aleja de las investigaciones de artistas como Lucio Fontana, Piero Manzoni o Yves Klein. En una sala adyacente a las pinturas, se ve una instalación, una mesa apareada para comer, las sillas y el armario-alacena, también en blanco, se ven cubiertas por una red, ahora sí, real que las cubre. Yayoi Kusama menciona en una entrevista, que tras iniciar al serie de Infinity Nets, su estudio empezó a cubrirse de la red blanca de tal modo que hasta los muebles parecían absorbidos por la pintura. Si la tela es la imagen de ese espacio mental del artista, obsesivo en el caso de Kusama, la instalación es la prolongación de la esfera de lo mental al plano de lo real.

Victoria Miro
14, St George Street - Londres
Del 01/10/2013 al 09/11/2013

Más fotos de las exposiciones en nuestra página de Facebook.

Consulta dónde están las galerías de este post en nuestro mapa de Galerías de Londres:

En tiempos en los que el modelo de las Bienales está entrando en crisis, parece que el futuro de su supervivencia pasará por reinventar un modelo híbrido entre una bienal y una feria de arte, de modo tal que las exigencias curatoriales y las del propio mercado se encuentren en el mismo terreno de juego, sin necesidad de esconder la presencia de una en la organización de la otra y viceversa.

Turín. 2013. Foto: Camilayelarte

De todas las ferias europeas que hemos visitado, Artissima es la que mejor representa este proceso de hibridación. La de Turín es una feria que sabe equilibrar perfectamente los intereses del mercado con los del comisariado, pero no sólo eso, que ya es mucho, sino que además representa muy bien el doble juego entre lo local y lo global, es una feria con identidad, una identidad que le viene dada por el territorio de la que nace, pero que no la delimita, sino que la expande al exterior. ¿Es una feria italiana? No, es una feria que se celebra en Italia, en una ciudad que ha gozado de una amplia red de museos de arte contemporáneo y que actualmente sufre los recortes en cultura. La ciudad, sus galerías y principales instituciones volcadas en la difusión del arte contemporáneo trabajan conjuntamente para que la feria se convierta en un punto de encuentro internacional enfocado a la experimentación y el diálogo. Artissima está en el recinto ferial, pero también en todos los museos de la ciudad, geográfica y conceptualmente es un modelo de feria en expansión.

Artissima 2013. Foto: Camilayelarte

JOVEN E INTERNACIONAL

Participan 190 galerías, de las cuales el 69% son internacionales, no acuden aquellas galerías más conocidas que sí están presentes en FIAC o Frieze London (véase Gagosian, Marian Goodman, WhiteCube, David Zwirner, etc.) sino galerías más bien desconocidas y provenientes de países poco presentes en los circuitos expositivos y mercantiles del arte europeo: Albania, Marruecos, Guatemala, Grecia, Polonia, Hungría, Israel, Rumanía, Chile, por poner un ejemplo.

Piero Gilardi, Galleria Guido Costa. Back to the Future. Artissima, 2013. Foto: Camilayelarte

Diego Scroppo & Piero Gilardi, Potager, 2013. Galleria Guido Costa. Back to the Future y Main Section. Artissima, 2013. Foto: Camilayelarte

Lygia Pape, Roda dos prazeres, 1968. Galeria Graça Brandao, Lisboa. Back to the Future, Artissima, 2013. Foto: Camilayelarte

FERIA COMISARIADA

Desde sus inicios, Artissima ha destacado por incluir proyectos comisariados en paralelo al programa general de galerías participantes. Destacan ante todo las secciones Back to the Future y Present Future. La primera, consiste en galerías que participan mostrando un solo show de artistas de los años 60, 70 y 80, su finalidad es la de divulgar la obra de artistas cuyo trabajo ha influenciado la práctica del arte contemporáneo pero que todavía le son desconocidos al público y al mercado. Es una forma de hacer historia del arte y de inserir esa historia a la economía del arte. Frieze Masters tiene su sección dedicada a arte de los años sesenta, Artissima lo hace mucho mejor y la incluye en un contexto donde también participan artistas contemporáneos, creando un diálogo mucho más interesante y revelador al construir una línea de continuidad entre el arte de los sesenta y setenta y las prácticas artísticas contemporáneas.

Xavier Antin, Crevecoeur, Present Future, 2013. Foto:: Camilayelarte

Stand de la galería especializada en libros de artista y material gráfico, L'arengario. Artissima, 2013. Foto: Camilayelarte

Jesús Pedraza Villalba, Galería PM8, Artissima, 2013. Foto: Camilayelarte

Present Future, es la sección dedicada a las jóvenes galerías, el formato también es el de mostrar un único artista como en la sección "Back to the future", la selección está hecha por un comité de cinco jóvenes comisarios cuya función es la de individuar figuras relevantes del momento. Cada año el patrocinio de Illy permite otorgar el premio a tres artistas jóvenes que presentan su trabajo al año siguiente en las salas del Castello di Rivoli.

Stand de la galería especializada en libros de artista Giorgio Maffei. Artissima, 2013. Foto: Camilayelarte

Thiago Rocha Pitta, Galería A Gentil Carioca. Artissima, 2013. Foto: Camilayelarte

Espacio de lectura en Artissima, 2013. Foto: Camilayelarte

TRABAJAR EN RED

Este año la gran novedad introducida por la directora Sara Cosulich Canaruto en el programa de la feria, que celebra su 20 aniversario, es la producción de un proyecto expositivo, bajo el título One Torino, en colaboración con los museos y las instituciones de la ciudad. El ambicioso proyecto ha reunido siete comisarios internacionales y más de 50 artistas, dando como resultado cinco exposiciones colectivas celebradas en las cinco principales instituciones artísticas de la ciudad: GAM, Fondazione Sandretto Re Rebaudengo, Fondazione Merz, Castello di Rivoli y Palazzo Cavour.

Ahora bien no sólo la feria sale de los límites expositivo que le son propios sino que los museos de la ciudad también entran dentro de la feria gracias a la sección Musei in mostra donde diversas entidades artísticas de la ciudad han sido invitadas a mostrar una obra de su colección. Es un modo interesante de dar a conocer no sólo las colecciones de Rivoli o el GAM, sino también de introducir el trabajo de artistas que estudian en la Academia de Bellas Artes de la ciudad o de las distintas asociaciones culturales centradas en el arte contemporáneo.

Sección comisariada por ZONARTE. Artissima, 2013. Foto: Camilayelarte

Niños buscando sus fotos tras participar en una actividad educativa de lal feria. Artissima 2013. Foto: Camilayelarte

UNA FERIA PARA EL PÚBLICO

De todas estas iniciativas se desprende que más allá del interés mercantil que mueve una feria, Artissima procura tener también una función pública, algo muy poco habitual en este tipo de evento. Se percibe un interés en desarrollar actividades pensadas para el público de la ciudad, o para aquél que no compra pero le interesa el arte contemporáneo. La incorporación de workshops, encuentros y mesas redondas desarrolladas por Zonarte son un ejemplo, nunca en ninguna otra feria habíamos visto tantos niños fotografiando obras de arte, seleccionando y jugando con el arte contemporáneo.

Más fotos de Artissima 2013 en nuestra página de Facebook.

ARTISSIMA
Turín, Italia
del 8 al 10 de noviembre de 2013

El mismísimo Bollywood ha aterrizado en la ciudad condal para convertir sus espacios públicos, véase las Drassanes, el pabellón italiano y el MNAC, en el marco incomparable donde celebrar el bodorrio de unos magnates indios y horteras, sin que una cosa conlleve la otra. Cuánto dinero para la ciudad dirán algunos, ¡y un churro! pan para hoy y miseria para mañana. El iluso que creía que la marca Barcelona era sinónimo de cultura sabe ya que dicha cultura es para el que la paga cara y que lo público puede dejar oportunamente de serlo en caso cualquier magnate lo requiera. Esta es la política cultural de una ciudad que se ha convertido en un souvenir pseudogaudiniano envuelto en celofán. (324.cat)

No sólo Barcelona adolece de un proyecto cultural con cara y ojos, nos despertábamos hace unos días con la noticia de que Málaga contará con un Centre Pompidou, primera sede del famoso museo fuera de Francia (ABC Cultura). ¿Un Beaubourg andalou? se pregunta Elena Vozmediano, dejándonos clara la diferencia entre qué es un museo y qué una sala de exposiciones donde colgar cuadros. Nos recuerda esta noticia aquel terrible rumor sobre una sede del Hermitage en Barcelona, un espacio donde Trias pueda celebrar las bodas de la mafia rusa. (Y tú que lo veas)

Pocos medios españoles se han hecho eco, pero el pasado 5 de noviembre, día de su cumpleaños murió el pintor alemán Günther Förg a la edad de 61 años. (Artribune)

Dicen algunos que la venta online será el futuro del mercado del arte, tanto es así que hasta eBay se está planteando lanzar su propia plataforma de venta de arte. (The Art Newspaper)

La artista francesa afincada en Londres Laure Prouvost ha ganado el Turner Prize 2013. (Tate)

Probablemente es la última de las citas fierísticas del año, Art Basel Miami se ha celebrado estos días con la participación de galerías españolas de la talla de Parra & Romero con un solo show de Oriol Vilanova. Os dejamos con un vídeo de la feria made by BlouinArtinfo.

Tras el post que publicamos la semana pasada continuamos con nuestra ruta por las galerías de la ciudad más museística de Europa, Londres. En esta ocasión seguiremos por el barrio de Mayfair acercándonos a las inmediaciones de la Royal Academy of Arts para visitar la berlinesa Sprüth Magers, ya cerca de Picaddilly entraremos en la famosa White Cube y cogeremos el metro para acabar en Marylebone, donde tiene sede una histórica galería londinense, LissonGallery.

Vista exterior de Sprüth Magers, Londres, 2013. Foto: Camilayelarte

Morris Louis & Cyprien Gaillard, From Wings to Fins, Sprüth Magers, 2013. Foto: Camilayelarte

From Wings to Fins, Morris Louis & Cyprien Gaillard

Sprüth Magers

Cyprien Gaillard ha sabido darle a la poética de la ruina de herencia dieciochesca, una acertada lectura en clave contemporánea. Los suburbios, paisajes industriales desolados, arquitecturas fruto de políticas económicas llevadas a cabo por gobiernos que la efímera memoria colectiva ha olvidado, son el material con el que trabaja este artista de la ruina. Pero no nos equivoquemos, Gaillard no exalta la melancolía o invita a la reflexión moral sobre el paso del tiempo como hicieron los viajeros del Grand Tour al enfrentarse con los fragmentos arquitectónicos del glorioso pasado clásico, más bien hay cierto gusto perverso por esa destrucción que es parte intrínseca del sistema occidental. No hay en Gaillard una moral contra el consumismo o las políticas que llevan a la rápida obsolescencia del mundo que nos rodea, sino todo lo contrario, la exaltación viene de ese flujo constante, de esa negación de la permanencia, la poética está en que nada es para siempre, en que todo se destruye, se consume y deshecha, y en ese cíclo destructivo es donde radica la belleza.

Morris Louis & Cyprien Gaillard, From Wings to Fins, Sprüth Magers, 2013. Foto: Camilayelarte

En el espacio londinense de la galería Sprüth Magers (también tienen sede en Berlin), Gaillard presenta sus collages a base de ejemplares del National Geographic. Dispuestos en una serie de mesas de trabajo, las hojas de las revistas están plegadas sobre sí mismas formando unas delicadas formas en flor. La forma no se corresponde con el contenido, pues las imágenes ensambladas son una selección progresiva de escenas de destrucción. Abandono, silencio, fracaso, son los conceptos que planean sobre estos collages, poéticos y desoladores al mismo tiempo. El leitmotiv floral de las revistas se repite en otro elemento que sorprende al visitante de la sala, el fragmento de lo que parece una verja en hierro está estratégicamente situado en una columna frente a la ventana, es agresivo y decorativo por partes iguales, como las imágenes del National Geographic, se trata de la réplica de una estructura metálica de seguridad del parking público de una plaza actualmente desaparecida que el artista recuperó, el fragmento de un paisaje urbano que ya ni siquiera es una ruina, pues el culto a la memoria en el espacio urbano es un lujo demasiado caro.

Morris Louis & Cyprien Gaillard, From Wings to Fins, Sprüth Magers, 2013. Foto: Camilayelarte

El gran atractivo de la exposición es que Gaillard ha buscado un aliado en su puesta en escena de la estética del fracaso. Una pintura de Morris Louis de la serie Veils cuelga en la sala, cromáticamente es afín a las imágenes seleccionadas por Gaillard, aunque ello sea muy sutil. Hay en la pintura derramada por la tela de Louis un precendente de la estética de la ruina de Gaillard, en el silencio, la no resistencia, ese flujo libre del pigmento está tan lejos de la gestualidad enérgica del expresionismo abstracto que nos lleva a esa idea del fracaso aceptado y elevado a condición poética, el artista no ofrece resistencia, asume el estado deforme de la materia y extrae la belleza que hay en ella.

Sprüth Magers
7A, Grafton Street - Londres
Del 15/10/2013 al 16/11/2013

Vista exterior de White Cube, Londres, 2013. Foto: Camilayelarte

Haim Steinbach, Travel, White Cube, 2013. Foto: Camilayelarte

Travel, Haim Steinbach
White Cube

Entrar en una exposición es un acto condicionado por el sistema cultural del que procedemos. Haim Steinbach pone alerta los mecanismos que se desencadenan cuando nuestros condicionados ojos se posan ante cualquier objeto. Y digo cualquiera porque alguno de los objetos en muestra en el espacio de la galería White Cube esté probablemente también en vuestras casas, en algún que otro armario. Caeríamos en un error si considerásemos los objetos de la vida ordinaria expuestos en vitrinas por Steinbach como el objeto, valga la redundancia, de su exposición. No sólo son los objetos, sino las vitrinas, las paredes falsas, las tuercas, las maderas, los elementos estructurales que transforman el espacio de la galería en una especie de laberinto donde transitar ante juguetes, orinales (olvidad una posible referencia a Duchamp), zapatillas, sombreros, y todo objeto que se os pase por la cabeza, aquello que da forma a una exposición forma parte del discurso del artista.

Haim Steinbach, Travel, White Cube, 2013. Foto: Camilayelarte

Haim Steinbach parte del Homo Collector, de sus inicios en la pintura y dentro los postulados del minimalismo le queda el gusto por exhibir los objetos en estanterías de herencia juddiana. El objeto entró en la esfera de su práctica artísitca cuando en 1976 realizó una serie de pinturas a base de linóleo, las imitaciones de parquet, mármoles y materiales preciosos varios le servieron para reflexionar sobre las implicaciones culturales que conlleva el uso de uno u otro material, de ahí se pasó al objeto con la firme voluntad de ampliar nuestra capacidad de lectura del objeto cotidiano. Visitar una exposición suya es un doble ejercicio entre leer la superestructura que define la percepción de la obra de arte y la invitación a abrir nuestros ojos y ampliar la capacidad de sorpresa ante lo que damos por descontado. ¿Al fin y al cabo no es eso de lo que va el arte?

White Cube
25-26, Mason's Yard - Londres
Del 02/10/2013 al 16/11/2013

Vista exterior de Lisson Gallery, Londres, 2013. Foto: Camilayelarte

Tatsuo Miyajima, I-Model, Lisson Gallery, 2013. Foto: Camilayelarte

I-Model, Tatsuo Miyajima
Lisson Gallery

Tatsuo Miyajima despliega sus instalaciones númericas a base de LEDS en el espacio de Lisson Gallery. Ya en los años ochenta, Miyajima abandonó la performance en favor a las instalaciones con neones y series de números para hablar sobre el fluir de la vida, la energía invisible y el espíritu que anima el cuerpo de las cosas. El uso de la tecnología no nos debe confundir, los temas que interesan a este artista tienden a la filosofía y a la espiritualidad.

En I-model, el artista presente tres series de trabajo, los Corps sans organs, título tomado de Antonin Artaud, Rizhomes y Life Palace. Ocupan el espacio principal de la galería una especie de organismos animados por un mecanismo autónomo que activa la secuencia numérica, del 1-9 de forma aleatoria. Recordemos que Miyajima no incluye nunca el número 0 pues éste no existe en la cultura oriental.

Tatsuo Miyajima, I-Model, Lisson Gallery, 2013. Foto: Camilayelarte

Los colores que dan vida a los números son el verde, rojo y azul, elegidos por cuestiones técnicas pero también por las distintas connotaciones que tienen en la cultura Oriental y Occidental. A diferencia de un artista que también utiliza la secuencia de números en su obra, Mario Merz con la secuencia Fibonacci, en las obras de Miyajima no es posible leer la lógica interna que anima la iluminación de uno u otro número, ésta responde a una vida interior, autónoma, ajena a nosotros. En este caso Miyajima ha colaborado con Takashi Ikegami, profesor en la Universidad de Tokyo, quien ha creado el programa informático que genera la secuencia.
Probablemente la obra que mejor refleja la filosofía que anima las obras de Miyajima, sea Life Palace, una casa de te japonesa que de nuevo nos recuerda a las cabañas de Merz y nos invita a entrar en su interior, una suerte de cosmos habitado de nuevo por números que acogen con silencio.

Lisson Gallery
52-54, Bell Street - Londres
Del 27/09/2013 al 02/11/2013

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Consulta dónde están las galerías de este post en nuestro mapa de Galerías de Londres:

Seleccionar la exposición o el evento artístico celebrado en España que más nos ha gustado en el 2013 es tarea fácil, seleccionar lo que menos, peliagudo. Hace unos días el cultural del diario ABC nos invitó a participar en la selección. Para despedirnos de este año compartimos con vosotros lo mejor y lo peor que ha dado de sí este 2013.

LO MEJOR DEL 2013

Open Studio Madrid
Del 22 al 26 de mayo de 2013

Voluntad de dar visibilidad al tejido artístico de una ciudad. Sin grandes presupuestos ni nombres estelares que den peso al evento, Open Studio Madrid es la mejor iniciativa artística del último año en España. En un gesto cercano y democrático muy lejos de la abstracción que supone ver arte en un museo, abrir los estudios de los artistas de la ciudad para dar a conocer su obra, invitar a todo aquel que esté interesado en el arte, profesionales y amantes, a entrar en un tête a tête directo con ellos, es el mejor modo de situar una ciudad con carácter artístico en el mapa cultural europeo.

Estudio participante en Open Studio Madrid. Foto: Camilayelarte

LO PEOR DEL 2013

La subversión íntima, Ángel Marcos
Evento colateral 55a Bienal de Venecia
Del 01 de junio al 30 de septiembre de 2013

Pecunian non olet, el dinero no huele, es la cita de la que parte el fotógrafo Ángel Marcos para reflexionar en torno al capitalismo desodorizado. Medina del Campo es el lugar en el que Marcos encuentra la esencia de una vida arraigada a otro modelo, que sí huele, y nos invita a recorrer las casas y los espacios íntimos de una gente humilde que lejos de la crudeza de Las Hurdes de Buñuel, muestra la sencillez pintoresca de la España profunda. Mala exposición que refleja el amiguismo bajo el que la Fundación Siglo gestiona el MUSAC. La España de charanga y pandereta en Venecia.

Ángel Marcos, La subversión íntima, Evento colateral 55a Bienal de Venecia, 2013. Foto: Camilayelarte

Alexander Rodchenko. Cartas de París

Para qué vi Occidente, me gustaba más cuando no lo había visto. Así de claro le escribía Alexander Rodchenko (1891-1956) a Varvara Stepanova durante los meses, los únicos en su vida, en los que dejó la URSS para instalarse en el decadente París, con motivo de la Exposición Internacional de Artes Decorativas e Industrias Modernas celebrada en 1925.

El diseño del Pabellón y del Club Obrero soviético lo llevaron hasta allí y durante los meses que duró su estancia dejó constancia escrita, a través de las cartas dirigidas a su mujer, del impacto que Occidente podía provocar en la mirada de Oriente. Una mirada que Rodchenko definía como pura, simple y verdadera, totalmente alejada del provincialismo de la capital del arte europeo. Después de Picasso, Braque y Léger hay un vacío se lamentaba Rodchenko, que veía la abstracción como un elemento traído de Moscú y no bien interpretado por la vanguardia europea.

Diseño para las mesas de ajedrez del Club Obrero. Alexander Rodchenko, 1925. Foto: vía http://rosswolfe.wordpress.com

La URSS en los años veinte era la promesa de un nuevo mundo y un nuevo arte que Rodchenko entendía como una nueva actitud hacia el individuo, la mujer y las cosas. Únicamente la superioridad tecnológica europea era digna de admiración, máquinas, ascensores y coches al servicio de una sociedad que parecía no entender bien cuáles son las cosas verdaderas y cuáles sucedáneos. Deseaba Rodchenko volver a la URSS para poder crear una sociedad donde los objetos cobraran un sentido y se convirtieran en los amigos y camaradas del hombre. No es necesario imitar nada, sino coger las cosas y transformarlas a nuestra manera, le aseguraba Rodchenko a Stepanova tras visitar a Léger y mostrarse de modo presuntuoso como verdadero artista de vanguardia, lo que hace él dejé de hacerlo yo hace mucho tiempo.

A pesar de la nostalgia por la patria y el convencimiento de que el comunismo es la única vía posible ante el capitalismo, las cartas de Rodchenko dejan traslucir también cierto síndrome Ninotchka, y es que cual Greta Garbo sucumbiendo ante el coqueto sombrero del film de Lubitsch, Rodchenko también se deja llevar por el frenesí consumista que tanto critica: trajes, zapatos, sombreros, y sobretodo cámaras fotográficas, entre ellas la Leica con la que nos enseñaría a mirar el mundo en contrapicado, son los objetos que el artista se lleva de vuelta a Moscú, un Moscú que desearía ver tan altamente productivo como el corrompido París. Mantener el espíritu de Oriente con la capacidad tecnológica de Occidente. El encuentro con Léger y la confrontación con la vida de un artista altamente reconocido y con una carrera consolidada lo lleva a reflexionar sobre las concesiones que esto conlleva: ya ves trabaja, trabaja y no vive mejor que yo, y a mí me gusta no solamente que escriban sobre mí, también me gusta estar tumbado al sol, o dedicarme al cine-foto o Dios sabe qué… y ser un niño y olvidarlo todo.

Alexander Rodchenko, Cartas de París.
La Fábrica Editorial
Madrid, 2009
Precio: 3€ en La Fábrica

¿Primero el huevo o la gallina? ¿Primero el vídeo o los dibujos? La segunda exposición de Marcel Dzama en Helga de Alvear, finalizada hace apenas una semana, permite adentrarse en la transversalidad creativa de este fantástico artista. Primero conocido por sus dibujos de gama cromática contenida, afín a los fríos paisajes en los que el artista creció de niño (Winnipeg, Canadá), Marcel Dzama tuvo claro que el dibujo se le quedaba corto como medio para dar salida a esos sueños de la razón que su mente y mano gestaban durante el fecundo estado entre la vigilia y el sueño.

Marcel Dzama, fotograma de Une Danse des Bouffons, 2013. Galería Helga de Alvear. Foto: Camilayelarte

Vista general de la exposición, A Trickmaster Made this World, 2013. Galería Helga de Alvear. Foto: Camilayelarte

Desde hace años Dzama no sólo se limita a dar rienda suelta a sus narraciones fragmentadas a través de acuarelas y dibujos, sino que también echa mano de la cámara para dar vida a un mundo iconográficamente cercano a las vanguardias. Porque el mundo onírico de Marcel Dzama está hecho de constantes referencias culturales que el público reconoce según el bagaje que lleve a cuestas. A saber, si yo fuera de Canadá tal vez reconocería ciertas referencias iconográficas provenientes del arte tradicional Inuit, (el de los esquimales) a menudo utilizadas por Dzama, o no se me escaparía que el color carmín tan extraño y sugerente de sus acuarelas no es otra cosa que el resultado del accidental derrame de una famosa bebida norteamericana edulcorada. Pero como mis referencias no vienen de esos lugares, y Marcel Dzama lo sabe, me alegro de que en la exposición de Helga de Alvear abunden los guiños a los Caprichos de Goya o que los versos de Lorca sirvan de didascalia a alguno de sus delirios iconográficos.

Marcel Dzama, A Trickmaster Made this World, 2013. Galería Helga de Alvear. Foto: Camilayelarte

La pieza fundamental de A Trickmaster Made this World, título de la exposición que llamará la atención a quienes estén enterados de la obra de Lewis Hyde, es el vídeo Une Danse Des Bouffons. Los dibujos, las marionetas, las cabezas de toro que vemos en muestra en la sala principal sirven de preludio y postre a la película, porque volveremos a ellos tras su visionado en busca de rastros para reordenar la explosión de secuencias y referencias que se suceden a ritmo trepidante. Como ya hizo en A Game of Chess, el universo fílmico de Marcel Dzama bebe del mundo de las vanguardias, del cine expresionista alemán, de los planos de Ingmar Bergman en El séptimo sello o de los ballets de Oskar Schlemmer.

Marcel Dzama, fotograma de Une Danse des Bouffons, 2013. Galería Helga de Alvear. Foto: Camilayelarte

Marcel Dzama, A Trickmaster Made this World, 2013. Galería Helga de Alvear. Foto: Camilayelarte

En Une Danse Des Bouffons, Dzama amplía el arco cronológico de su estilo multireferencial, la ya de por sí críptica Étant Donnés de Marcel Duchamp, siempre llamado en causa en los vídeos del artista, cobra vida y sirve de detonante para una historia de amor que se vuelve pesadilla, donde seres híbridos provenientes del imaginario de Francis Picabia, Goya, así como el propio Joseph Beuys cubierto por la manta de fieltro y acompañado por el coyote de I like America and America likes me, se la juegan con Kim Gordon en un absurdo y angustioso concurso televisivo. Muerte y resurrección parecen ser los temas que hilvanan la historia, buscadamente ininteligible y estéticamente rica, abierta a múltiples interpretaciones, tantas como referencias sepa uno hallar en tal muestra de virtuosismo iconográfico, virtuosismo que temo divierta a quienes puedan identificarlo pero excluya a aquellos que desconozcan la historia del arte.

A Trickmaster Made this World, Marcel Dzama
Del 07/11/2013 al 04/01/2014
Galería Helga de Alvear
Doctor Fourquet, 20 - Madrid (mapa)

El eclecticismo decadente del Victoria & Albert Museum es una buena localización para una película de suspense y terror. Sin ser Hitchcock, el dúo escandinavo Elmgreen&Dragset ha construido una ficción aprovechando todos los elementos que el museo ofrece por sí mismo, transformando el concepto instalación por el de una especie de ongoing show. Tomorrow, título de la muestra, es una exposición que se da en distintos espacios y tiempos, en mi caso concreto, empecé a verla en octubre de 2013 pero la acabé ayer en el sofá de mi casa en el 2014.

Un pasillo vacío del V&A Museum en un viernes por la noche. Foto: Camilayelarte

Vidriera gótica en muestra en el V&A Museum. Foto: Camilayelarte

Los espacios que ocupa Tomorrow son varios, por un lado está la instalación propiamente dicha, el apartamento de un arquitecto de nombre Norman Swann, una puesta en escena en las salas del V&A que recrean un casa muy british venida a menos.
Si el V&A Museum fuera un whitecube entonces la exposición empezaría en la puerta de entrada en la exposición, pero tras analizar lo que nos quieren contar Elmgreen&Dragset, Tomorrowempieza desde el momento en el que se cruza el umbral del edificio eduardiano que sirve de sede a este museo-símbolo del Imperio Británico. La colección del V&A es el resultado de un mundo que creía poder contener todas las artes y todo el saber en las paredes de un museo, paredes que simbolizaban en cierto sentido las fronteras de su propio imperio. De ahí que en el V&A se pueda encontrar de todo: porcelanas, vidrios, marfiles, tejidos, escultura, pintura, arte chino, arte indio… todo ello en un displayque lo convierte en un museo del concepto museo.

Elmgreen&Dragset, Tomorrow, 2013. V&A Museum. Foto: Camilayelarte

Las salas del V&A Museum en un viernes por la noche. Foto: Camilayelarte

Los imperios pasan pero los objetos quedan, y para sacarle el polvo a la ideología que dio forma al V&A, los nuevos tiempos marcados por la cultura del entretenimiento requieren de estrategias para llamar la atención del público, de ahí que los viernes por la tarde el V&A Museum se convierta en un espacio polivalente donde el arte, los cocktails y los DJ’s se dan de la mano, tan ricamente.
La extrañeza que Elmgreen&Dragset saben crear en sus instalaciones se multiplica cuando es un museo de estas características el que acoge la exposición. Lo uncanny de Tomorrow tiene su preludio en el eco de la música que sonaba ese viernes de octubre en el Hall de la entrada, un eco perdiéndose en las salas de marfiles, en el cementerio de reproducciones escultóricas, en la oscuridad de los pasillos con paredes forradas por telas, en el susto al oír las ramas de los árboles golpeando los cristales de las ventanas victorianas, en ese buscar el inicio de la exposición de Elmgreen&Dragset recorriendo salas cubiertas por vidrieras góticas y relicarios de plata.

Elmgreen&Dragset, Tomorrow, 2013. Victoria & Albert Museum. Foto: Camilayelarte

Ante semejante preliminar, la casa de Norman Swann tampoco parece extraña, el mayordomo que nos recibe en la entrada ficcionaliza la experiencia y nos hace conscientes de nuestra condición de público, ahora estamos dentro de la exposición y aunque nos dejen movernos y hasta sentarnos en el sofá de la casa, sabemos que estamos fingiendo la experiencia. El rumor del agua tras una puerta nos hace pensar que la casa está habitada, algún que otro susto nos llevamos al ver un niño vestido con un uniforme que nos recuerda lo clasista del sistema educativo inglés. Parece que se esté a punto de servir una cena, tampoco importa, una cocina de estilo minimalista a medio instalar desentona en medio del resto de la decoración, un despacho con planos de arquitectura nos hace entender que estamos en la casa de un arquitecto (aunque lo sabemos de entrada gracias a la hoja de sala). La habitación privada presidida por una cama de roble con un buitre dorado al acecho y un piano de cola dan la clave para entender el nivel de decadencia del personaje, nos viene a la mente Stourley Kracklite, el protagonista del film de Peter Greenaway, El vientre del arquitecto, estamos ante el fin de la vida de alguien, en la puesta en escena de un fracaso.

Elmgreen&Dragset, Tomorrow, 2013. V&A Museum. Foto: Camilayelarte

El guión de Tomorrow, leído en el sofá de casa. 2014. Foto: Camilayelarte

La instalación, de no encontrarse en tal marco incomparable, no da mucho de sí. Pero Tomorrow se acompaña de un guion cinematográfico que el público se lleva a casa y que horas, días o meses después dan la clave para entender hacia dónde quiere llevarnos la exposición. El fracaso y el sentimiento de pérdida que percibimos en la puesta en escena de la casa de Swann, adquiere significado cuando conocemos el segundo personaje que da sentido a la historia, Daniel Wilder, un antiguo alumno suyo que a diferencia de él, sí ha conseguido saborear las mieles del éxito. Swann es arquitecto, Wilder diseñador de interiores, el idealismo de uno choca con el pragmatismo capitalista del otro, el apartamento de Swann es el símbolo de una clase atrapada en la idea de herencia, de elitismo social pero ante todo de elitismo cultural, leer a Proust o ver películas de Bergman no han hecho que Swann llegará muy lejos, mientras Wilder se las ha apañado de maravilla teniendo como punto de referencia a E.T.La contraposición entre alta y baja cultura o la falta de sentido crítico en una sociedad que valora sólo el éxito individual, independientemente de la calidad de lo producido, son ideas que planean a lo largo del diálogo sin que los autores tomen partido por uno u otro personaje, en ambos modelos existen miserias, el que está por morir y el que triunfa sin escrúpulos, el que se perdería como erudito enumerando las bellezas de los objetos del V&A y el que contaría la caja de los ingresos de la Cocktail Party.

Victoria and Albert Museum
Cromwell Road - Londres
Metro: Knightsbridge y South Kensington
Horario: Cada día de las 10:00-17:45. Viernes de 10:00-22:00
Precio: Gratuito

Si no fuera por los manjares culinarios que brinda, probablemente no acudiríamos a la cita que cada año nos lleva a ganar unos kilos en Boloña “la grassa”. Lo hemos dicho otras veces, Arte Fiera Bologna es el ejemplo del campanilismo italiano (la defensa del pueblo y del origen) llevado al terreno de las ferias de arte contemporáneo. Y aun así, en otras épocas en las que la globalización no determinaba el mercado, Arte Fiera era la cita ineludible para todo amante-comprador del arte italiano que se preciara. Porque esta feria trata de Italia y de sus galerías, muchas de aquellas (no todas) que por programa expositivo no encajan en las principales ferias internacionales europeas.

Charcutería Simoni. Boloña, 2014. Foto: Camilayelarte

Piazza Maggiore, Boloña, 2014. Foto: Camilayelarte

A diferencia de Artissima, Arte Fiera adolece de un provincialismo acusado que en los últimos años ha ido en aumento, provocando que las galerías italianas de mayor perfil internacional, particularmente las de Milán, le hayan dado la espalda. Por otro lado y a diferencia de Turín, la red de museos y espacios expositivos de la ciudad no ofrece un contexto lo suficientemente sólido como para crear una diálogo de continuidad y crecimiento en torno al mercado y la práctica del arte contemporáneo. En cuanto a ventas se refiere, los galeristas participantes las han definido como reflexivas teniendo en cuenta el contexto económico italiano, mientras la afluencia de público, como viene siendo habitual en Boloña, ha sido extraordinaria.

Ahora bien, no todo son espinas y las rosas también florecen, así que echando mano de nuestro sentido crítico y siempre subjetivo, vamos a seleccionar lo mejor y también lo peor que ha ofrecido Arte Fiera Bologna 2014.

LO MEJOR DE ARTE FIERA

Carlo Ciussi, A arte Invernizzi. Arte Fiera 2014. Foto: Camilayelarte

A arte Invernizzi. Arte Fiera 2014. Foto: Camilayelarte

1-Carlo Ciusssi. La mejor obertura

Las seis columnas del artista Carlo Ciussi han recibido al público en Arte Fiera gracias a la instalación proyectada por la galería A arte Invernizzi, creando un espacio separado del resto del stand, integrado en la zona de tránsito del público. La pintura, autónoma de la pared, ofrece una doble lectura del lenguaje geométrico en pintura: desde el signo fragmentado contenido en la tela, a la estructura en forma de columna que lo contiene y que a su vez entra en relación geométrica y estructural, creando un espacio pictórico y dinámico poco habitual en el stand de una feria.

Maria Lai. Nuova Galleria Morone. Arte Fiera 2014. Foto: Camilayelarte

2-Maria Lai. El mejor descubrimiento

De nuevo entre los Solo Show, probablemente la mejor sección de la feria, destaca el stand dedicado a Maria Lai, artista sarda recientemente fallecida a los 93 años, cuyos mapas y libros tejidos nos ha recordado a las labores de Louise Bourgeois. Su lenguaje artístico es femenino y primitivo, ligado al simbolismo de la cultura rural de Cerdeña, en particular de su pueblo de origen Ulassai. Dicha simbología apunta a lo universal, a la relación del hombre con la naturaleza, la suya es una poesía a la vez concreta y visionaria. Más allá del trabajo que desarrolló con las telas y los libros tejidos de imágenes sin palabras, Lai es famosa por la intervención Legarsi alla montagna celebrada en Ulassai en 1981, cuando al encargarle un monumento conmemorativo contra la guerra, la artista rechazó la oferta en favor de una acción en la que participó todo el pueblo, uniendo con un hilo azul las casas de Ulassai con la cima de la montaña. Sin duda una artista por descubrir.

Flavio Favelli. Dispari&Dispari Project. Arte Fiera 2014. Foto: Camilayelarte

3-Flavio Favelli. El mejor solo show

Flavio Favelli aprovecha la feria cual Proust con la madalena y transforma el stand de Dispari&Dispari Project en una escenificación de sus tiernas memorias de infancia. El tiempo perdido se reencuentra en el cálido resplandor de la luz de los neones de los cines porno de los setenta, cuando Linda Lovelace triunfaba en las pantallas de los cines clandestinos. Favelli esquiva lo sórdido del tema y recrea un espacio onírico sin renunciar al humor.

Osart Gallery. Arte Fiera 2014. Foto: Camilayelarte

Gianni Colombo, Tela Pulsante (1959). Osart Gallery. Arte Fiera 2014. Foto: Camilayelarte

Grazia Varisco, Extrapagina (1975-76), Osart Gallery. Arte Fiera 2014. Foto: Camilayelarte

4-Arte programmata. El mejor revival

El arte cinético está siendo objeto de estudio y de recuperación a través de numerosas muestras, el problema es que por la naturaleza de su material es difícil que las piezas sean las originales y no simples reproducciones. Aun a riesgo de equivocarnos, las obras de artistas como Gianni Colombo y Grazia Varisco puestas en muestra por Osart Gallery son un excelente ejemplo de arte programmata.

Giulia Manfredi, Orizzonte d'abbandono. Galleria Bianconi - Spazio9, 2014. Foto: Camilayelarte

Goran Trbuljak, GT: monogram, monograph, monochrome. P420 Arte Contemporanea, 2014. Foto: Camilayelarte

P420 Arte Contemporanea, 2014. Foto: Camilayelarte

5-Art City White Night. Galerías abiertas

Fiesta hasta medianoche en las galerías y museos de Boloña. Una línea de autobús denominada Art ha conectado los principales museos, galerías y recinto ferial para que el público pudiera moverse fácilmente por la ciudad. A pesar de que la oferta expositiva no ha sido extraordinaria, el público de se ha volcado en la celebración del evento. A destacar la galería P420 con una muestra del artista Goran Trbuljak, así como la colaboración entre la Galleria Bianconi de Milán y Spazio9 de Boloña para poner en muestra el proyecto de la joven artista Giulia Manfredi.

LO PEOR DE ARTE FIERA

La sección dedicada a la pintura del Ottocento. Arte Fiera 2014. Foto: Camilayelarte

1-La sección dedicada al arte del Ottocento
La novedad de la edición de este año es un reflejo de la poca visión contemporánea de los organizadores de la feria. Muchas ferias de arte contemporáneo apuestan por revisar la historia del arte para comprender la creación más actual. Lo hemos visto en Back to the future en Artissima, en los Solo Show de Frieze Masters o la planta baja de Art Basel, pero echar la cabeza más atrás de 1900 es caer en estrategias mercantilistas que no le hacen mucho bien a la coherencia de la feria.

Vista general de Arte Fiera Bologna 2014. Foto: Camilayelarte

2-País invitado
Tal y como hace ARCO, Arte Fiera también dedica una sección a un país o en este caso una zona, la Europa del este. La aportación de estas galerías ha pasado sin pena ni gloria, una ocasión pérdida para conocer galerías con programas expositivos interesantes.

Sede del MAMbo, Museo de Arte Moderno de Boloña. Foto: via Urban Center

3-La oferta expositiva del MAMbo
Si bien el gallery night ha estado muy bien organizado la oferta de exposiciones del Museo de Arte Contemporáneo ha dejado mucho que desear. Una sola obra de Tacita Dean sobre el estudio de Morandi no es motivo suficiente para anunciarla como exposición destacable, mientras la ordenación de la colección sigue igual que el año pasado. Una decepción.

4-Sin Aerobus
La crisis ha afectado también a la oferta de servicios públicos provocando la supresión del autobús público que conecta la feria con el aeropuerto.

5-Incoherencia en los días de duración de la feria
Aunque parezca mentida en lugar de finalizar el domingo como cualquier feria que se precie, Arte Fiera Bologna finaliza el lunes.

Más fotos de Arte Fiera Bologna 2014 en nuestra página de Facebook.

Arte Fiera Bologna
Boloña, Italia
del 24 al 27 de enero de 2014
Precio público general: 20€

En 1974 el libro publicado por Eduard Moreno y Manuel Vázquez Montalbán, Barcelona ¿a dónde vas? recogía en su epílogo el siguiente fragmento de la Hoja Informativa de la Asociación de Vecinos de 9 Barris:

A los que sueñan sólo con la “Gran Barcelona” les decimos que así no la queremos ya que para nosotros representa únicamente expropiaciones, aislamiento y especulación del suelo, falta de los servicios más básicos como escuelas, jardines, hospitales, centros culturales, sociales, etc.

Aspecto actual de la Llibreria Canuda, cerrada en noviembre de 2013. En su lugar se abrirá una tienda MANGO. Barcelona, 2014. Foto: Camilayelarte

Pastisseria La Colmena. Barcelona, 2014. Foto: Camilayelarte

El Indio, a pocos días de su cierre. Barcelona, 2014. Foto: Camilayelarte

Cuarenta años más tarde este texto tiene más vigencia que nunca, faltan eso sí, voces críticas como las de Manuel Vázquez Montalbán o José María Huertas Clavería, figuras que amaban Barcelona, la conocían y entendían como no la aman ni la entienden los responsables políticos que están haciendo de Barcelona un producto en venta al mayor postor.

El anuncio del posible cierre del Colmado Quilez, seguido al día siguiente por el de la pastelería Fargas, no es sólo el efecto inevitable de la aplicación de la ley de arrendamientos urbanos sino la consecuencia directa de un modo de hacer política basada en los principios del neoliberalismo salvaje, así como de la ignorancia absoluta del significado de la palabra patrimonio y de la extensión del concepto cultura.


Cereria Subirà, la tienda más antigua de Barcelona, salvada por el momento por el Ajuntament. Barcelona, 2014. Foto: Camilayelarte

Nueva tienda Geox en el espacio que antes ocupaba El Palacio del juguete. Barcelona, 2014. Foto: Camilayelarte

La xurreria y la Llibreria Rodés en Banys Nous. Barcelona, 2014. Foto: Camilayelarte

A pesar de que nos adoctrinen para pensar en modo contrariono todo se puede valorar desde el punto de vista de la rentabilidad económica, existe un patrimonio que es intangible y no por ello menos valioso. Un Ayuntamiento que decide registrar el nombre de su ciudad como marca demuestra que entiende la vida que se desarrolla en sus calles cual director de marketing, a quien poco le interesa la vida de las personas que la habitan y mucho la imagen que ésta ofrece al posible capital inversor extranjero.

Stand de souvenirs en La Rambla. Barcelona, 2014. Foto: Camilayelarte

Publicidad del nuevo producto turístico a base de jamón. Carrer Ferran. Barcelona, 2014. Foto: Camilayelarte

Muñecos diabólicos travestidos del Barça en venta como souvenir en La Rambla. Barcelona, 2014. Foto: Camilayelarte

Si Barcelona es un producto y ya no una ciudad, deberían sus políticos saber que las ventas de la Llibreria Canuda enriquecían Barcelona infinitamente más que las insultantes paradas de souvenirs de La Rambla. La Colmena, El Palacio del Juguete, La Cerería Subirà, El Indio y todos los comercios históricos de la ciudad es lo que hacen (o hacían) que Barcelona sea singular, son su identidad. Escudarse en la crisis y en los resultados económicos del turismo salvaje que está destrozando el paisaje urbano de Barcelona, es una falta de responsabilidad por parte de los políticos, quienes deberían estudiar formas sostenibles de turismo partiendo de la convicción de que una ciudad la hacen sus ciudadanos y no los rusos o los qataríes.

La antigua charcutería Guinart de la Boquería transformada en un bar More than Tapas. Barcelona, 2014. Foto: Camilayelarte

Publicidad ambulante de tapas en el Carrer Princesa. Barcelona, 2014. Foto: Camilayelarte

La antigua Llibreria Catalònia, convertida en un McDonalds que "homenajea" a Gaudí y Tàpies en su tremebundo diseño interior. Barcelona, 2014. Foto: Camilayelarte

Quien tenga un mínimo de sensibilidad estética se verá atacado por un violento espíritu destructor cada vez que pasea por Barcelona y se topa con los carteles que anuncian “chuches de bellota”, o vea el despliegue de color del dragón de Gaudí, la camiseta del Barça y los turrones Vicenç en venta en La Rambla. Del Barcelona posa’t guapa hemos pasado al Barcelona ven-te l’ànima. Que un mercado como el de La Boquería pierda su identidad es un síntoma de que su razón de existir ya no es el de abastecer a las gentes de su barrio, y perder un barrio es perder una parte del patrimonio de una ciudad, su tejido social y cultural.

Más fotos de comercios históricos de Barcelona en nuestra página de Facebook.

Os puede interesar:

- Blog d'activisme per a la salvació d'establiments emblemàtics
- Artículo de Mercè Ibarz en El País, La ciudad invisible
- Para la Barcelona que ya ha desaparecido, el blog Barcelofília

Hermann Nitsch, 130. Aktion, 2010, Nápoles. Foto: Global Art Affairs Foundation. Cortesía: Museo Hermann Nitsch; Jordi Benito, B.B.P. Romanic, 1980.

Según Günter Brus, la Austria de los sesenta no sólo estaba abandonada de Dios sino del mundo, y en ningún otro país de Europa, a excepción de la España de Franco, se podía encontrar un nivel de represión social tan fuerte. Hermann Nitsch (1938) y Jordi Benito (1951-2008), austríaco uno, catalán el otro, liberaron con su arte la crueldad y la violencia de una sociedad que necesitaba de la destrucción para poder reconstruir sus valores sociales, políticos y estéticos.

En el Orgien Mysterien Theater de Hermann Nitsch y en las acciones de Jordi Benito encontramos un retorno al arte entendido como rito, donde se explora su capacidad para comunicar más allá de la palabra y del texto, únicamente a través de la intensidad de las imágenes plásticas que provoca la puesta en acción del material visual, táctil y auditivo. La sangre, el fuego, los alimentos, el sacrificio de animales, la cruz, son elementos que encontramos en las ceremonias escenificadas y participativas de Hermann Nitsch y en las acciones individuales de Jordi Benito. Simbologías de contenido mítico que conectan con el subconsciente humano, imágenes con una fuerte potencia estética que recuperan la intensidad de la experiencia sensorial como toma de consciencia del hombre. Belleza/crueldad, creación/destrucción, vida/muerte. El arte como energía universal, canal del eterno retorno.

Cada idea es una yuxtaposición, ya está. Una yuxtaposición de conceptos existentes

Steven Grant

Res no s’aturaes el título con el que el Centre d’Art La Panera y la Fundació Suñol invitan a una lectura de ambas colecciones planteando una idea de continuidad en la práctica artística de finales del siglo XX y principios del XXI. El cambio de milenio no supone una frontera para que una colección que finaliza en la década de los noventa como es la de Josep Suñol y otra que empieza en el 2003 como la de La Panera, no puedan ofrecer una visión articulada de ciertas constantes temáticas que lejos de desapecer de una generación a otra, conviven y persisten a lo largo del tiempo. Esta permeabilidad es significativa si tenemos en cuenta que en el caso concreto de la colección de La Panera, ésta se construye desde una visión de futuro y no bajo estrategias revisionistas, una visión de futuroque no parte de aquello que ya está consolidado por el sistema sino que busca preveer qué que es lo que en unos años tendrá algo que decir en la historia del arte.

Francesc Abad y Lara Almarcegui. Res no s'atura, 2014. Fundació Suñol. Foto: Camilayelarte

Juan López, Joan Hernández Pijoan y Marina Núñez. Res no s'atura, 2014. Fundació Suñol. Foto: Camilayelarte

Juan Luis Moraza y Ana Laura Aláez. Res no s'atura, 2014. Fundació Suñol. Foto: Camilayelarte

Si dejamos de lado la función pública y la función privada de una y otra colección, veremos que el riesgo que corre la comisaria de La Panera, Glòria Picazo, al seleccionar y apostar por los artistas que conforman la colección no es muy distinto del que corre un coleccionista de arte, como el caso de Josep Suñol, cuando apuesta por uno u otro artista. Lo más interesante de Res no s’atura no es poder ver la obra de los nombres que ahora tanto nos suenan, como por ejemplo el de Lara Almárcegui, presente con Demoliciones, descampados y huertas urbanas, una obra ahora clásica de su trabajo artístico, sino percibir el tiempo como elemento que narra la fortuna de cada obra, de cada carrera artística. Una colección se valora por sus altos, jamás por sus bajos, pero no deberíamos olvidar que los bajos nos hablan de coyunturas que en su momento fueron significativas. El tiempo no s’atura, no se para, como reza el título, pero una obra de arte, un objeto artístico tiene la capacidad de registrar un momento de ese tiempo histórico que nos es difícil de percibir mientras lo estamos viviendo, aunque ese momento finalmente no acabe formando parte esencial del espíritu de su tiempo.

Vista general de la exposición. Res no s'atura, 2014. Fundació Suñol. Foto: Camilayelarte

MP & MP Rosado. Res no s'atura, 2014. Fundació Suñol. Foto: Camilayelarte

Rosa Amorós y Patricia Dauder. Res no s'atura, 2014. Fundació Suñol. Foto: Camilayelarte

A lo largo de las salas en las que se despliegan las 35 obras en muestra, se perciben dos tiempos, por un lado el de la propia época que vio nacer la obra, un tiempo que se manifiesta especialmente a través del material o soporte con el que está hecha, en definitiva del lenguaje que utiliza para hablar de algo en concreto; mientras el otro tiempo, al que podríamos denominar continuo y universal, se da en este algo concreto, en lo que dice y lo que cuenta la obra de arte por encima del cómo lo cuenta. Temas como el yo, el otro, la muerte o la naturelaza son universales y atraviesan el arte siglo tras siglo. Lo vemos en la pintura de raíz expresionista de Frederic Amat o en la fotografía digital de Eulàlia Valldosera, o confrontando unos distantes Hernandez Pijoan y Juan López. Mientras las prácticas conceptuales de Francesc Abad y Lara Almarcegui son próximas en cuanto a una forma de trabajo basada en el análisis y crítica del entorno y el paisaje urbano, no lo es tanto una escultura como la de Sergi Aguilar, Tronc, espai, terra, eina(1975) que sin embargo conforma junto a la obra de los dos anteriores artistas el diálogo más formidable de toda la exposición.

Lo mejor: La ocasión de poder ver parte de la Colección de La Panera de Lleida en Barcelona.

Lo peor: La debilidad de algunos diálogos planteados en las salas pequeñas, con obras de Gordillo o Zush entre otras.

Podéis ver el álbum completo de la exposición en nuestra página de Facebook.

Res no s'atura
Hasta el 03/05/2014
Fundació Suñol
Passeig de Gràcia, 98 - Barcelona
Horario: De lunes a viernes de 11h a 14h y de 16h a 20h. Sábados de 16h a 20h.
Precio: 4€

Silvia Dauder. Foto: via ProjecteSD

Para un sistema del arte como el de España, en el que hay muy poca tradición en torno al arte contemporáneo y en el que todo se ha construido un poco con las prisas propias de un país que quiere recuperar el tiempo perdido, la galería ProjecteSD de Barcelona simboliza el alcance de una madurez profesional y crítica dentro del sector galerístico español. La de Silvia Dauder, directora de la galería, es una mirada sorprendentemente independiente, autónoma de cualquier condicionamiento impuesto por el contexto o la tradición, no se parece a nadie y nadie se parece a ella aunque muchas galerías jóvenes que empiezan la tomen como referencia. Matt Mullican, Iñaki Bonillas, Dora García o Peter Vermeersch son algunos de los artistas que dan forma a un programa expositivo que destaca por su rigor y coherencia.

ProjecteSD se caracteriza por un programa expositivo singular en relación al resto de galerías de Barcelona, ¿de qué modo se ha gestado su línea expositiva y de entre ellos cuáles han sido los proyectos más enriquecedores?
Todo ha sido un proceso que ha ido evolucionando. Poco a poco he ido incorporando aquellos artistas que yo creía tenían trabajo de calidad, de distintas generaciones y cuya presencia aportaba algo nuevo al panorama galerístico español. Me caracterizo por una línea poco estridente, de más reflexión, poco explícita, en algunos casos. Muchos han bautizado la línea de la galería como conceptual. No sé si es exactamente correcto. No todos los artistas con quien trabajo son artistas conceptuales. Pero quizá sí se puede considerar que la aproximación de la galería tiene algo que ver con algún modelo de galería europea de los años del conceptualismo, salvando por supuesto distancias. No me interesan las tendencias “per se”, intento aportar algo nuevo con mi trabajo y tengo una buena capacidad de riesgo. Esta es mi ambición, mi reto, buscar aquello que no necesariamente es fácil. Todos los proyectos son enriquecedores de una u otra forma. Es muy interesante tratar con artistas de los 70 (que ahora superan los 60 años) y con los jóvenes, dos maneras bien distintas de aproximarse al trabajo y a esta profesión, la de artista.

Vista de la exposicón de Allen Ruppersberg en ProjecteSD. 2013. Foto: Camilayelarte

¿Qué galeristas consideras que son un ejemplo de profesionalidad y de algún modo han sido o son un referente?
Hay muchos afortunadamente. De ahora y de antes y espero que vengan muchos más. Es difícil mencionar a nombres porque siempre te dejas a alguien. Konrad Fischer en sus orígenes, un referente irremplazable, Art & Concept, por supuesto también. Micheline Swajzcer siempre tiene unas exposiciones de envidiar, impecables y muy buenas. Mis buenos y admirados colegas Jocelyn Wolff y Miguel Abreu. La joven mexicana Labor por dinamismo. Parra y Romero en su nueva línea, los jóvenes MaisterraBalbuena y mis colegas catalanes NoguerasBlanchard, son galerías a seguir de cerca. Dels Àngels está tejiendo un buen programa gracias a Pep Agut.

En un sistema del arte altamente globalizado donde la participación en ferias internacionales es fundamental, ¿qué rol crees que todavía desempeña la galería en relación al contexto de la ciudad en la que se encuentra?
Sin galerías no hay ferias, con lo cual el rol de la galería sigue siendo fundamental. Mucho sucede en las ferias, pero no todo, ni todo lo mejor. Las mejores conversaciones, los mejores encuentros y los mejores contactos los he hecho gracias al día a día de la galería, al trabajo de fondo. Y algo que es fundamental, las mejores exposiciones. El mejor sitio para conocer el trabajo del artista es la galería, sin duda, nunca la feria. Y esto no debería olvidarse. El arte es importante, y la galería es el espacio donde el artista tiene que experimentar y arriesgar con el apoyo de su galerista. Las ferias no suelen servir para hacer experimentos. No hay tiempo para entenderlos. Nadie debería olvidarlo. Pero sin duda las ferias juegan hoy en día un papel ineludible.

Stand de ProjecteSD en FIAC 2013. Foto: Camilayelarte

¿Qué le falta y qué le sobra a la escena artística de Barcelona?
Le falta mucho, sobre todo contenido, riesgo y valentía, e intentar por una vez que las cosas se planteen con visión de futuro, para que duren, crezcan y maduren con calidad y solidez. Sin actos grandilocuentes y tocando con los pies al suelo. Soy crítica con mi país, que no significa querer ser negativa, y no sólo con Barcelona. Creo que es la obligación de todos serlo, es la única manera de crecer. Si un museo español o catalán pierde calidad y prestigio, a mi me duele y afecta a mi profesión y negocio muchísimo. Si esto sucede en Austria, no me importa tanto, a pesar de la globalización. Lo que sobra es todo aquello que no aporta nada y que a veces nos ocupa demasiado tiempo.

¿Cómo crees que se percibe ARCO a nivel internacional?
Con gran tristeza lo digo, actualmente con no mucho interés. Ojalá en un futuro próximo ya no sea así. Esto es trabajo de todos, pero en primer lugar de los gestores de la feria. Y espero y deseo vayamos por buen camino. No nos queda más remedio que seguir trabajando mucho.

ProjecteSD
Pabellón 9 - Stand 9D11
Programa General - ARCOmadrid 2013
19-23 de febrero 2014

Alessandro Pasotti & Fabrizio Padovani. Foto: via P420

P420, el número de pantone del color gris claro, es el nombre de la galería abierta en 2010 por Alessandro Pasotti y Fabrizio Padovani con sede en Boloña. El inicio del interés por el arte de estos jóvenes galeristas no nace a partir de las obras sino de los catálogos de artistas y los documentos gráficos relacionados con el arte de los 60 y 70. En una época en la que la obra de arte inició su andadura hacia la desmaterialización, su recuperación histórica comporta más trabajo de archivo que de otra cosa, y precisamente esto es lo que se han propuesto Pasotti y Padovani, revalorizar de forma crítica artistas relacionados con el arte minimal y conceptual desde la lectura que Italia hizo de estos lenguajes y en confrontación con otros artistas internacionales. Sus exposiciones sorprenden en un ámbito como el italiano, en el que predomina la visión estética del arte y donde exponer material gráfico o documental es más propio del ámbito de los museos, no acaso el MAMbo se encuentra a pocos metros de su galería.

Vuestro programa expositivo recupera artistas de la década de los 60 y 70, fundamentales aunque poco conocidos por el gran público. ¿Por qué este período en concreto?

A menudo la calidad de un artista no sigue la misma velocidad que su suerte en el mercado del arte. Ciertos artistas no consiguen proponerse, ponerse en muestra y encontrar fortuna crítica, prefieren llevar a cabo su investigación, precisa, constante y auténtica lejos de los reflectores. Parece que ha llegado el momento de realizar ciertos re-descubrimientos, consideramos que es un deber hacerlo.

P420 Arte Contemporanea, 2014. Foto: Camilayelarte

Vista de la exposición de Goran Trbuljak en P420 Arte Contemporanea, 2014. Foto: Camilayelarte

El material gráfico está muy presente en vuestras exposiciones. ¿Qué rol desempeña el catálogo impreso como herramienta promocional?

Re-descubrir es en ciertos aspectos más difícil que descubrir. Algo que estaba allí ante los ojos de todos, durante años y nadie lo había considerado, o lo habían considerado pero no bajo su justa importancia, una importancia que en este momento deber ser demostrada. El catálogo cumple este rol, nos gustaría que nuestros catálogos ayudasen a situar a un artista en su justa dimensión.

Stand de P420 Arte Contemporanea en ArteFiera Bologna 2014. Foto: Camilayelarte

Stand de P420 Arte Contemporanea en Artissima 2013. Foto: Camilayelarte

En un sistema tan globalizado como el del arte, en el que las ferias son fundamentales, ¿qué relación mantiene todavía la galería con el contexto cultural de la ciudad en la que se encuentra, en vuestro caso Boloña?

Nosotros trabajamos con diversos artistas italianos pero no nos gusta perdernos en localismos. Elegimos a los artistas con los que trabajamos según las vibraciones que nos provoca su obra, nunca según el territorio del que proviene. Boloña cuenta con artistas muy buenos pero por el momento no trabajamos con ninguno de ellos.

Cómo creéis que se percibe ARCO a nivel internacional, ¿cuáles son sus características?

Las ferias son grandes lugares de encuentro donde la importancia de asistencia no se puede valorar únicamente a través del número de ventas. Estar aquí, tocar con la mano es muy importante. No escondemos el hecho de que en Madrid esperamos poder profundizar las relaciones con el mundo latino-americano.

P420 Arte Contemporanea
Pabellón 9 - Stand 9OP01
Sección Opening - ARCOmadrid 2014
19-23 de febrero 2014

Antoine Levi (de espaldas) con el artista Olve Sande.
Foto: via Antoine Levi

La de Antoine Levi es el ejemplo de una trayectoria de naturaleza radicante, se mueve por distintos territorios y arraiga sin que ello suponga un límite que lo mantenga ligado. De origen francés con experiencia profesional en España e Italia, su galería cuenta con apenas un año de vida, el lugar elegido para desarrollar su proyecto es París, en concreto el barrio de Belleville, centro de la escena emergente parisina y de visita ineludible para todos los que quieran estar al tanto del futuro (artístico) por venir. ¿Se acerca un cambio de paradigma en el mundo del galerismo? ¿Cambia la esencia o sólo las formas? Antoine Levi nos da algunas pistas sobre ello.

La galeria abrió hace un año, podrías hablarnos sobre el proyecto, cual es la filosofia que la anima?
En realidad no hay una filosofía, hay una visión, una familia, un deseo de crecer con los artistas, un constante diálogo, cada dirección se toma a través de una sincera y convincente decisión entre la galería y los artistas, incluso cuando estoy interesado en un nuevo artista, envío el material a los demás y espero sus comentarios, dudas, entusiasmo etc. El termino filosofía suena extraño para mi. De hecho, hace un año decía que quería limitar la galeria a artistas muy jóvenes, ahora también representamos a Francesco Gennari, un artista italiano con una carrera fuerte y consolidada. Para mi era obvio que Francesco encajaba perfectamente dentro del límite de la galería, y que su presencia, como la del resto de artistas, crearía una fantástica osmósis.

La Galerie Antoine Levi en el barrio de Belleville de París, 2013. Foto: Camilayelarte

¿Cómo describirías vuestro programa expositivo?
Tratamos de trabajar cuanto nos es posible en el mismo espacio de la galeria, 10-7 días antes de la exposición, para hacer que el diálogo sea concreto. En algunas ocasiones siento que nuestra profesión ha cambiado mucho en los últimos años y que una ola de sobreproducción ha cancelado las necesidades básicas. Me gusta hacer exposiciones por muchos motivos, uno de ellos es que me siento privilegiado de hablar con poetas visuales e intentar entenderlos, guiarlos para que me sorprendan cada vez.

Vista de la exposición de Sean Townley en Galerie Antoine Levi, 2013. Foto: Camilayelarte

Has trabajado con importantes galeristas como Juana de Aizpuru y Franco Noero, cuál dirías que son las principales diferencias entre el modelo de galería tradicional y el nuevo modelo que están desarrollando galerías jóvenes como la vuestra?

En realidad, Juana y Franco no son personas que yo describiría como tradicionales, más bien lo contrario! También trabajé durante pocos meses en el IVAM en Valencia y un poco en la galería Roger Pailhas en Marsella. No creo que haya mucha diferencia entre nuestra visión y modo de trabajo. Si tuviera que mencionar una diferencia, sería que existen muchas galerías hoy en día y que todo se está acelerando. Todavía recuerdo enviar la solicitud de participación en una feria via Fax o por correo postal, hoy en día tenemos herramientas digitales que aceleran la paz del trabajo, aunque por supuesto fueron muy útiles para abrir la galería y buscar a los artistas con los que queríamos trabajar. De hecho nunca hago visitas de artistas, creo que es algo muy extraño e invasivo, lo que veo online o a través de conversaciones via Skype o por e-mail me parece suficiente para hacerme una idea.

Nerina Ciaccia, co.directora de la galería junto al artista Piotr Makowski, parte de la família de la galería Antoine Levi. Foto: via Antoine Levi

Las ferias se han transformado en piezas clave dentro del sistema del arte, la localización parece que ya no es importante, aun así Antoine Levi se encuentra en el corazón del barrio de Belleville, y París se está convirtiendo en capital europea del arte contemporáneo emergente, ¿cómo lo valoras?

París siempre ha sido una capital para el arte y su actividad ha sido constante. Volver a París después de tantos años ha sido un reto personal. Elegí Belleville por su frescura y porque muchas galerías que me interesan se encuentran allí. Como circuito galerístico tal vez sea menos obvio para quienes vienen a París a ver las galería, por este motivo quienes vienen lo hacen con un propósito, o quieren descubrir la galería.
Las ferias son sin duda importantes porque amplían la visibilidad de la galería internacionalmente y por lo tanto contribuyen a que la difusión del trabajo de los artistas sea más sencilla.

¿Cuáles consideras que son las características principales de ARCO y cómo se percibe a nivel internacional?

ARCO supone un paso importante para la galería ya que se trata de una de las ferias más importantes de Europa. Para mí supone lo ocasión de generar más contactos en España y Latinoamérica. La densidad de los encuentros comporta la llegada de críticos y comisarios de todo el mundo. Scandinavia tiene este año una buena presencia con el Focus Finlandia, nosotros presentamos un artsita noruego, Olve Sande.La ayuda y el consejo de Manuel Segade, co-comisario de la sección opening, ha sido claveen mi decisión de participar en la feria, él vive en París y tiene una visión de la actualidad, además conoce muy bien ambos territorios. ¿Cómo se percibe ARCO? La próxima edición nos dirá más sobre ello. Soy muy parcial porque para mi supone una bonita ocasión de volver a España tras tantos años, para Nerina, my novia y directora de la galería, y para mi ARCO supone un buen termómetro del mercado del arte internacional al inicio del año.

Galerie Antoine Levi
Pabellón 9 - Stand 9OP03
Sección Opening - ARCOmadrid 2014
19-23 de febrero 2014

J. Pedraza, F.Salas y L. Martínez Troncoso. Foto: Adán Vallecillo

Las ferias se aproximan cada vez más al modelo de las bienales, las galerías por su parte se acercan al modelo de los centros de arte. Partir de la investigación como forma de trabajo supone entender el espacio de la galería mucho más allá de su función comercial, apostando por un modelo que no puede estar desligado del trabajo de críticos y comisarios. Parece que nos acercamos a una etapa en la que se desintegran los límites de las funciones de todos aquellos agentes que intervienen en el sistema del arte. La galería PM8, dirigida por Francisco Salas, es ejemplo con tan sólo tres años de vida del cambio de paradigma que está por llegar.

PM8 es una galería muy joven, cuéntanos cómo nace el proyecto.

PM8 es un proyecto que nace con el propósito de trabajar desde una premisa curatorial y con la intención de re-pensar la galería. Plantear el trabajo desde la investigación y el rigor. Crear proyectos en los que construir con los artistas a través del diálogo y el intercambio, propuestas específicas que permitan el mejor entendimiento y la más cuidada percepción y presentación de su obra. Generar un pensamiento crítico a través del arte y convertir a la galería en esa plataforma compleja, rica y más humana en la que tengan cabida diversas dinámicas de trabajo más allá de la comercial. Trabajar en, por y desde el contexto del arte.

En vuestro programa expositivo predominan artistas emergentes per también figuras como Fina Miralles, ¿qué papel juega este diálogo intergeneracional?
Es necesario e enriquecedor, los intereses de los artistas van más allá de lo puramente generacional, es interesante encontrarse en los mismos lugares que personas que por generación están lejos, pero que sin embargo comparten una misma línea de pensamiento, de vida y por supuesto de trabajo. Quizás la forma, el modo de llegar a ello, y también como se expresa sea distinta, pero las preocupaciones son siempre las mismas. Dialogar desde la distancia temporal para encontrarse en la cercanía del pensamiento es fantástico.

Adán Vallecillo, Pintura Política, 2013. Vista de la instalación en PM8. Foto: PM8

Loreto Martínez Troncoso, La llamada (Contigo y sin ti), 2013. PM8. Foto: PM8

¿De qué modo apostar por artistas jóvenes condiciona el modo de trabajo de una galería?, ¿qué diferencia se puede percibir en relación al planteamiento de una galería más tradicional?
Trabajar con artistas que comienzan es lógico por que esta es una galería joven, además una de las ideas detrás de este proyecto es precisamente la de crecer, evolucionar y avanzar juntos. La labor de promoción que recae en nuestras manos es fundamental para posicionar el trabajo en los mejores contextos internacionales, no solo a través de ferias, también convirtiéndonos en los mejores interlocutores entre sus propuestas y otros agentes clave como comisarios, instituciones, críticos o coleccionistas. Y esa parte de nuestro trabajo es muy importante, por que en nuestras manos está el cómo llega y cómo es percibida la obra, por eso es crucial trabajar desde la máxima exigencia y desde la excelencia.

Stand de PM8 en ARCO 2014. Foto: Camilayelarte

Stand de PM8 en Artissima 2013. Foto: Camilayelarte

PM8 se encuentra en Vigo, Bacelos, una de las galerías de referencia en Galicia ha abierto sede en Madrid, también lo ha hecho NoguerasBlanchard de Barcelona, ¿la escena artística española tiende inevitablemente al centralismo?
La localización no determinan la vigencia, relevancia o el interés de un proyecto. Lo importante es construir desde unas premisas de rigor y calidad, trabajar desde y por la excelencia, factores todos ellos independientes o ajenos a la situación geográfica. Además tanto los artistas como los galeristas tenemos movilidad; el acceso a las ferias internacionales y los viajes de investigación y trabajo (fundamentales para la expansión del proyecto) proporcionan esa visibilidad real y despiertan el interés si realmente tenemos algo que decir. La internacionalización de un proyecto es un trabajo arduo que se puede lograr desde cualquier lugar, siempre que haya o se cumplan esas premisas de excelencia.

Estamos en un contexto nacional que determina ciertas dinámicas, pero los proyectos que tienen una vigencia mas allá de nuestras fronteras saben que hoy solo la creación de una red de trabajo global y de intercambio entre países, es lo que generará que un proyecto pueda seguir avanzando, y esto está más allá de estar en una ciudad u otra. Si el trabajo realizado tiene interés y es riguroso se verá, no hay más límites que los que cada uno se quiera poner a sí mismo. Quizás se tarde más tiempo en llegar, ya que ese tipo de proyectos requieren mucho esfuerzo y dedicación, pero el camino que se construye es más sólido.

PM8
Pabellón 9 - Stand 9G05
Programa General - ARCOmadrid 2014
19-23 de febrero 2014

Monika Branicka y Asia Zak. Foto: via artnet

En la historia del arte más reciente destacan dos deudas fundamentales, por un lado insertar en los discursos históricos el arte producido en los países externos al eje Europa/EEUU y por el otro revalorizar la obra de artistas que en su momento quedaron fuera del mercado del arte y cuya obra es fundamental para entender las prácticas artísticas del presente. La galería Zak Branicka cumple con ambas funciones, trabaja con el arte de la Europa del Este, desconocido a gran parte del público y omitido hasta hace poco por los historiadores, a través de un diálogo intergeneracional entre artistas de los años sesenta y setenta y artistas contemporáneos, mostrando la continuidad entre el trabajo de uno y otros. Esta metodología que no cierra la práctica del arte en fronteras cronológicas y que lo entiende como forma fluida y dialógica es esencial para comprender y analizar críticamente el arte del presente.

El arte contemporáneo todavía se explica desde una narrativa centralista que deja al margen experiencias como las de la Europa del Este o Latinoamerica ¿Qué papel juega vuestra galería en el desarrollo de lecturas alternativas en relación a la historia del arte en Europa?

Zak Branicka se especializa en arte de la Europa del este, principalmente de Polonia, pero también representa artistas de Croacia, Macedonia y Austria. Pretendemos compartir y focalizar la atención sobre la obra de estos artistas que hasta hace poco no habían recibido el reconocimiento que merecían. La Europa del Este siempre ha sido parte de Europa pero la gran mayoría de instituciones han elegido ignorar estos artistas y centrarse en artistas de la Europa occidental. Nuestra finalidad es la de enfatizar que la historia del arte no sólo pertenece a Occidente sino también a Oriente y re-direccionar esta falta de apreciación del arte de la Europa del Este. Nos alegra ver que instituciones como la Tate o el Pompidou han mostrado a través de recientes exposiciones su interés y que el foco se está moviendo hacia allí. Parece que las instituciones de Occidente están intentando recuperar el tiempo perdido.

Vista de la exposición de VALIE EXPORT en Zak Branicka, Berlin, 2013. Foto: Camilayelarte

A pesar de su origen polaco, la galería está localizada en Berlín, ¿todavía debemos considerar Berlín como una ciudad que conecta la Europa Oriental con la Occidental?

Berlín supone una base ideal para llevar a cabo nuestro objetivo. La ciudad ha funcionado y todavía funciona como axis entre el Este y el Oeste. Por otro lado su vibrante escena artística internacional proporciona una plataforma perfecta para poner en muestra la obra de nuestros artistas y aumentar la visibilidad de la Europa del Este.

Vuestro programa expositivo es bastante intergeneracional aunque focalizado en arte conceptual del Este. Cómo elegís a los artistas con los que trabajáis?

En nuestra galería exponemos artistas de tres generaciones distintas. La primera está representada por artistas de los años setenta, pertenecientes a la segundas vanguardias; entre ellos se incluyen Zofia Kulik, Ryszard Wasko, un artista austríaco, VALIE EXPORT, y Roman Opalka, recientemente fallecido. La segunda generación comprende artistas de los noventa cuyo trabajo es muy crítico e incluye a figuras como Joanna Rajkowska y Katarzyna Kozyra. Finalmente los trabajos de la generación más joven, entre ellos Agnieszka Polska están conectados con la vanguardia de los setenta, su lenguaje e iconografía se desarrolla desde ésta. Estas tres generaciones a menudo utilizan el lenguaje de la performance, el cual nos interesa especialmente.

Vista de la exposición de Joanna Rajkowska en Zak Branicka, Berlin, 2012. Foto: Camilayelarte

En 2011, el MACBA en colaboración con la Galeria Ljubljana entre otras, organizó la exposición El museu de las narratives paral·leles, como un intento de construir una historia paralela del arte europeo. La ZAK-Branicka Foundation desarrolla alguna actividad conjuntamente con museos o programas públicos?

La ZAK Branicka Foundation, con sede en Cracovia, tiene como finalidad el desarrollo de actividades que sirvan de apoyo a la galería en la construcción de un network entre artistas de la Europa del Este junto con Instituciones culturales internacionales. En paralelo a la colaboración con museos, galerías y ferias de arte, la fundación también edita libros como POLISH! publicado con Hatje Cantz y escrito por comisarios internacionales con la finalidad de aportar una lectura occidental sobre artistas del Este. El diálogo de la Fundación con las instituciones, comisarios e historiadores del arte ayuda al desarrollo de nuestra investigación y estimula el intercambio cultural. Por otro lado también editamos cuatro números anuales del diario Zak Branicka. Recientemente hemos colaborado con Zero Books en la publicación del libro de Joanna Rajkowska Where the beast is burie,mientras trabajamos con Hatje Cantz para la publicación de un libro sobre Dominik Lejman.

El año pasado la galería organizó una exposición del Grupo Gorgona de especial importancia puesto que dio a conocer las ideas innovativas de Gorgona entre los principales museos y figuras del mundo del arte. Por el momento estamos trabajando en un programa para coleccionistas jóvenes de la Europa del Este.

Stand de Zak Branicka en Artissima 2013. Foto: Camilayelarte

Stand de Zak Branicka en ARCO 2014. Foto: Camilayelarte

ARCO es una feria del sur de Europa particularmente conectada con Latinoamérica, como valoráis participar en ella?

Esta conexión es importante puesto que el arte de Latinoamérica tiene muchos puntos en común con el arte polaco. La herencia de ambos se halla en la abstracción-geométrica de las primeras vanguardias y el arte conceptual; se podría decir que Lygia Clark es al arte Latinoamericano lo que Katarzyna Kobro al arte de Polonia. Esta conexíón es fundamental puesto que no existe en ningún otro lugar de Europa. Nuestra historia del arte es muy similar, ya sea por sus raíces y por el hecho de que quedó relegada a un margen en el pasado.

ARCO 2014 es una fantástica oportunidad para mostrar el talento de nuestros artistas, estamos contentos de participar en ella. ARCO proporciona a galerías de muy diversa procedencia la ocasión de poner en muestra sus obras, así que es una ocasión estupenda para descubrir talentos artísticos de todas partes del mundo. En ARCO esperamos que nuestros artistas, al entrar en muestra con artistas de distintas partes del mundo, puedan integrarse en el contexto internacional del arte.

Zak Branicka
Pabellón 9 - Stand 9C10
Programa General - ARCOmadrid 2014
19-23 de febrero 2014

Parecidos razonables (y razonados): Joan Brossa & Marcel Broodthaers

Francis Bacon vale lo mismo que Gareth Bale

La semana en links: de la presentación de ARCO 2014 al cierre de la Biennale más mochilera de la historia

De galerías por Londres: Anthony Reynolds, Blain Southern y Victoria Miro

Artissima 2013: la feria con más identidad

La semana en links: del MNAC Bollywoodiano al Miami Basilizado

De galerías por Londres: Sprüth Magers, White Cube y Lisson Gallery

Lo mejor y lo peor del 2013

Alexander Rodchenko. Cartas de París

Marcel Dzama: Une Danse des Bouffons en Helga de Alvear

Ayer, Hoy y Tomorrow: Elmgreen&Dragset en el V&A

Arte Fiera Bologna 2014. Top & Flop

El modelo Barcelona

Parecidos razonables (y razonados): Hermann Nitsch & Jordi Benito

Res no s'atura. La Fundació Suñol y La Panera en diálogo

ARCO 2014: Entrevista a Silvia Dauder - Galería ProjecteSD-

ARCO 2014: Entrevista a F. Padovani & A. Pasotti -Galería P420-

ARCO 2014: Entrevista a Antoine Levi -Galería Antoine Levi-

ARCO 2014: Entrevista a Francisco Salas -Galería PM8-

ARCO 2014: Entrevista a Monika Branicka y Asia Zak -Zak Branicka-